Este artigo reflete sobre procedimentos e conceitos, por meio de planos de composição, que podem contribuir com processos criativos que objetivam integrar uma perspectiva polifônica. Partindo de um depoimento-manifesto pessoal, conceitos como polifonia, agenciamento, montagem, performatividade, corpo orgânico e corpo inorgânico são correlacionados para compor possíveis reflexões e trajetórias em processos criativos. Compreendendo o conceito de polifonia a partir de Mikhail Bahktin, a ênfase aqui é de potencializar a multiplicidade de vozes na criação cênica a partir da descentralização do discurso dominante e do deslizamento do sentido narrativo.
O artigo objetiva investigar o processo de criação do projeto interdisciplinar A sombra dos outros, realizado pelo Grupo Desvio, na cidade de Nova Iorque, a partir de uma imersão errante no universo subterrâneo da cidade. Esse processo foi realizado por meio de procedimentos estéticos e filosóficos que buscavam desestabilizar e descentralizar noções como corpo, indivíduo e representação. Este ensaio apresenta então procedimentos que permitem a reconfiguração de modos de expressão e a instauração de um plano que permita novas percepções e novos modos de existência.
O presente estudo tem como objetivo refletir sobre conceitos, procedimentos e produções estéticas cinematográficas no que se refere, sobretudo, à sua contribuição para o trabalho do ator no teatro. Para tal, o foco residiu na investigação da obra do diretor norte-americano John Cassavetes. Por meio do seu trabalho, observou-se que, nessa forma de fazer cinema, quando a prioridade na composição de planos se concentra no instante, o afeto é trabalhado a partir da presença e da materialidade do corpo do ator sem a necessidade de determinação de suas possíveis representações, potencializando, assim, a atuação. Essa é a ponte de encontro entre o cinema moderno e o teatro performativo. Nessa perspectiva, o ponto de partida proposto foi a compreensão de características do cinema por meio de sua apropriação em três experimentos cênicos, delimitando os pressupostos da tese pela ótica do filósofo Gilles Deleuze. Em seguida, apontam-se os procedimentos estabelecidos pelo cineasta John Cassavetes com seus atores a fim de identificar quaisquer singularidade em seu trabalho que se aproximem do teatro. As obras adotadas para a realização desta análise foram os filmes Opening night, que aborda o teatro como metalinguagem, e Love streams, fruto da trilogia teatral Three plays of Love and hate. Considerando que, no cinema de Cassavetes, o corpo do ator pode ser compreendido como fotogenia, discutiu-se a correlação entre corpo, gestus e instante para a produção de afeto. Por último, este estudo visou refletir também sobre os processos constantes do trabalho do ator mediante a interface entre o cinema e o teatro performativo, com a criação e apresentação de um espetáculo em que há a apropriação da presença do corpo, dos objetos e das imagens como potência afetiva, realizando-se dessa forma uma reflexão a respeito dessa experiência.
Este artigo pretende investigar o corpo no cinema de John Cassavetes sob a ótica de Gilles Deleuze e identificar sua contribuição para o trabalho do ator contemporâneo. Ao considerar a atuação como um fator determinante de uma obra, pretende-se repensar aqui nas potencialidades afetivas do corpo, principalmente dentro de uma estruturação cinematográfica conceituada por Deleuze como imagem-tempo, na qual a obra de Cassavetes estaria inserida. Dentro desse recorte, o conceito brechtiano de gestus permitirá encontrar um novo sentido do corpo dentro da obra cinematográfica, extravasando posturas sociais engessadas ou disciplinadas e se apresentando num estado latente, onde o gestus ultrapassa o individual e alcança o coletivo. Nesse sentido, o corpo do ator será visto como gerador de instantes fundamentais para o desenvolvimento de uma obra, não importando quem é a personagem, mas o que pode essa personagem, o que pode esse corpo. O instante pleno será pintado pelo gestus do ator que pulsa vida e poesia.
Este artigo pretende investigar o corpo do ator no filme No lugar Errado, dirigido por Luiz Pretti, Guto Parente, Pedro Diógenes e Ricardo Pretti, uma experiência realizada entre o teatro e o cinema. Ao considerar a atuação como um fator determinante de uma obra, pretende-se repensar aqui nas potencialidades afetivas do corpo numa obra cinematográfica que foi criada a partir de uma peça de teatro. O corpo do ator será visto como gerador de instantes plenos para o desenvolvimento de uma obra, não importando quem é a personagem, mas o que pode essa personagem, o que pode esse corpo. Nesse sentido, a obra analisada permitirá refletir sobre o modo como o corpo do ator pode transitar entre o cinema e o teatro, podendo assim, apontar características comuns entre as duas linguagens.
O presente artigo tem como objetivo investigar o conceito de fotogenia no cinema e de compreender como a fotogenia, enquanto dispositivo cinematográfico, é alcançada nos filmes de John Cassavetes. Partindo das inquietações de Walter Benjamin, que identifica uma nova configuração nas artes com a reprodutibilidade técnica, este artigo pretende ampliar o conceito de fotogenia no cinema relacionando-o com sua capacidade de produzir afetos.
Este artigo pretende investigar o corpo do ator no filme No lugar Errado, dirigido por Luiz Pretti, Guto Parente, Pedro Diógenes e Ricardo Pretti, uma experiência realizada entre o teatro e o cinema. Ao considerar a atuação como um fator determinante de uma obra, pretende-se repensar aqui nas potencialidades afetivas do corpo numa obra cinematográfica que foi criada a partir de uma peça de teatro. O corpo do ator será visto como gerador de instantes plenos para o desenvolvimento de uma obra, não importando quem é a personagem, mas o que pode essa personagem, o que pode esse corpo. Nesse sentido, a obra analisada permitirá refletir sobre o modo como o corpo do ator pode transitar entre o cinema e o teatro, podendo assim, apontar características comuns entre as duas linguagens.
O presente artigo objetiva investigar procedimentos do cineasta John Cassavetes ao se apropriar de recursos cinematográficos para a criação da trilogia teatral Three plays of love and hate. Além dos poucos materiais publicados sobre as peças e de entrevistas feitas com alguns atores que participaram desse processo, a pesquisa analisará ainda o filme Love Streams dirigido pelo próprio Cassavetes, considerando que o mesmo foi criado a partir da experiência cênica nessa trilogia. O intuito é também o de perceber as proximidades entre o processo criativo de John Cassavetes no cinema e no teatro e de estruturar procedimentos para o trabalho do ator a partir dessa experiência.
Misanthrofreak é um espetáculo solo, que almeja afetar o público com a simplicidade e o humor de um homem e seus dilemas existênciais. Toda ação no palco é motivada pela dúvida. A performance, numa fronteira entre teatro e cinema, que é executada dentro de um espaço vazio e com poucos objetos e com um ator que opera luz, som e projeção por meio de um computador. A interação do performer com as imagens projetadas objetiva a busca por múltiplas relações com tempo e espaço, na qual a performance foi desenvolvida numa estética que busca converter elementos poéticos em patéticos e vice-versa.
O objeto de estudo da presente pesquisa é o trabalho do ator desenvolvido no processo criativo da peça EUTRO do Grupo Experimental Desvio, dentro do qual é investigado como a verdade cênica pode conduzir o trabalho do ator, considerando a identidade do sujeito (ator) e sua subjetividade em cena.A hipótese da presente pesquisa sugere que o ator, ao identificar e considerar suas características subjetivas enquanto sujeito com identidades múltiplas, poderia trabalhá-las em seu processo de criação na montagem teatral de EUTRO, na qual a verdade cênica se realizaria pelo ajuste das características subjetivas do ator com as características de sua personagem.O conceito de verdade cênica, introduzido pelo diretor russo Constantin Stanislavski, foi apropriado pelo Grupo Experimental Desvio quando identificamos que ele trabalhava a verdade em cena de uma maneira muito próxima a que nós idealizávamos. Para Stanislavski, a utilização por um ator dos próprios sentimentos em cena é uma das chaves para a concretização da verdade cênica. Deste modo, decidimos revisar esse conceito de Stanislavski e atualizá-lo, adaptando ao nosso contexto. Depois de atualizar tal conceito, considerando a subjetividade e identidade do sujeito na pós-modernidade, nós delineamos um processo de criação cênica dentro da sala de ensaio junto com o grupo. Assim, foi possível experimentar, principalmente por meio da improvisação, possibilidades dentro desse processo para que o ator pudesse alcançar aquilo que consideramos como verdadeiro em cena. Ou seja, o ator assumir no palco sua presença e a utilização de seus próprios sentimentos e pensamentos a favor de sua personagem.